Laúd
El instrumento musical conocido como laúd representa uno de los pilares fundamentales en la historia de la organología occidental, siendo el rey indiscutible de los instrumentos de cuerda pulsada durante siglos.
Su nombre, que deriva del término árabe al-‘ūd (literalmente «la madera»), no solo define su material constructivo, sino que encierra milenios de evolución desde las civilizaciones mesopotámicas hasta las salas de concierto contemporáneas.
Como experto en la materia y profesor durante décadas de la Escuela de Música de Pipo López, creo que es importante dotar a este cordófono de la importancia adecuada, que no es ni más ni menos que un vehículo de expresión cultural que ha sabido adaptarse a los cambios estéticos de cada época.
Los orígenes y la evolución histórica del laúd
La trayectoria del laúd es tan antigua como la civilización misma. Las evidencias más remotas nos trasladan a Mesopotamia, antes del 3000 a. C., donde una serie de sellos cilíndricos del período Uruk ya muestran una serie de figuras femeninas tañendo unos instrumentos precursores.
El musicólogo Curt Sachs clasificó estos laúdes primigenios en dos grandes ramas: los de mástil largo, comunes en el Antiguo Egipto y Babilonia, y los de mástil corto, que evolucionarían hacia la forma que hoy conocemos todos en la actualidad.
El eslabón perdido entre oriente y occidente es el barbat persa y el oud árabe. Durante los siglos VIII y IX, la llegada de los musulmanes a la Península Ibérica introdujo este instrumento en Europa.
Una figura central en este proceso fue el músico persa Ziryab, quien, en el Emirato de Córdoba, no solo fundó una de las primeras escuelas de música, sino que añadió una quinta cuerda al laúd y sustituyó el plectro de madera por uno de pluma de águila, buscando una mayor «dulzura» sonora.
A partir del siglo XI, la Iberia musulmana se convirtió en el principal centro de fabricación de instrumentos, exportando el diseño del laúd a Provenza y, de ahí, a los trovadores de toda Europa.
Fue entonces, durante la Baja Edad Media, cuando el laúd convivió con otros instrumentos como la cítola y la guiterna, pero fue en Italia, durante el siglo XIV, donde el laúd alcanzó su primer gran cenit de virtuosismo.
Anatomía y construcción: El arte del luthier
La construcción de un instrumento laúd es un proceso de altísima complejidad técnica que define completamente su personalidad acústica.
A diferencia de la guitarra moderna de caja plana, el laúd tradicional posee una caja de resonancia abombada o cóncava, construida mediante el ensamblaje de unas finas tiras de madera llamadas duelas o costillas.
Veamos con más detenimiento cada una de las partes que componen un laúd moderno:
- La tapa armónica: Es el corazón del instrumento, fabricada tradicionalmente en madera de abeto europeo o pino. Su grosor se ajusta milimétricamente para maximizar la vibración.
- La roseta: A diferencia del orificio abierto de la guitarra, el laúd presenta una boca adornada con una roseta o lazo tallado directamente en la madera de la tapa, con toda una serie de diseños geométricos, a menudo, de influencia árabe.
- El mástil y el diapasón: El mástil surge del cuerpo y sostiene el diapasón, generalmente de ébano para resistir el desgaste. Una característica distintiva es el clavijero angulado, que se dobla hacia atrás en un ángulo casi recto respecto al mástil.
- Los trastes: En los modelos históricos, los trastes no son de metal incrustado, sino que consisten en unas cuerdas de tripa anudadas alrededor del mástil, lo que permite nos ajustar el temperamento de manera manual.
- El puente: Llamado también barra-cordal, es donde las cuerdas se anudan directamente, transmitiendo la energía vibratoria a la tapa sin la mediación de un cordal separado en la mayoría de los periodos.
El término para designar al constructor de estos instrumentos es luthier (del francés luth), aunque en la tradición española el nombre correcto y más antiguo es el de violero.
En el siglo XVI, para ser reconocido como oficial violero en Sevilla, era requisito indispensable saber construir un laúd de costillas perfectamente acabado.
Los Materiales y el secreto de las cuerdas de tripa
La elección de las maderas adecuadas para crear un laúd es fundamental para mejorar el sonido.
El uso de maderas como el nogal, arce, cerezo o ciprés para las duelas del cuerpo, nos ofrece una serie de diferentes matices de brillo y profundidad.
Sin embargo, el componente que más influye en el timbre histórico es el material de las cuerdas.
Hasta la invención del nylon a mediados del siglo XX, todas las cuerdas eran de tripa de cordero o carnero.
La fabricación de cuerdas graves representaba en aquella época un desafío técnico, pues se utilizaban métodos de alta torsión o trenzado (como los tipos Venice Catlines o Lyons) para aumentar la densidad sin sacrificar la elasticidad.
Existen, incluso, referencias históricas curiosas, como las de Ziryab, quien afirmaba que las cuerdas de intestino de cachorro de león eran superiores por su resistencia y sonoridad.
Hoy en día, muchos intérpretes profesionales utilizan materiales modernos como el nylgut, que imita la densidad de la tripa natural con las ventajas de la estabilidad sintética.
Los diferentes tipos y tamaños del laúd
El laúd no es un instrumento único, sino una familia de instrumentos que evolucionaron hacia una serie de registros más graves y complejos:
- Laúd Renacentista: Generalmente de 6 órdenes dobles (pares de cuerdas), aunque evolucionó hasta los 10 órdenes a finales del siglo XVI. Es el instrumento ideal para la polifonía contrapuntística.
- Laúd Barroco: Se introdujo el uso de las cuerdas simples en los primeros órdenes y aumentó el número de cuerdas hasta 13 o 14 órdenes, a menudo con una afinación en Re menor.
- Tiorba y Archilaúd: Fueron una serie de instrumentos de grandes dimensiones con un segundo clavijero extendido (cuello de cigüeña o cisne) para albergar las cuerdas graves, todas ellas de gran longitud y que se tocan al aire (bordones).
- Laúd Español (o Tenor): Es fundamental no confundirlo con el laúd histórico. El laúd que se usa hoy en rondallas y tunas tiene un fondo plano, unos aros laterales y está emparentado directamente con la bandurria. Su aparición data de finales del siglo XIX como una ampliación grave de la familia de pulso y púa.
Las técnicas de interpretación y los retos del instrumentista
Tocar el laúd requiere de una sensibilidad muy distinta a la de la guitarra clásica.
El paso del plectro medieval al tañido con los dedos a finales del siglo XV permitió el desarrollo de la polifonía, donde una sola mano puede ejecutar varias voces independientes, como veremos ahora:
- Mano derecha: La posición histórica en el Renacimiento era casi horizontal, con el pulgar a menudo colocado por debajo del dedo índice (técnica de «pulgar-índice»), mientras que en el Barroco la mano se volvió más perpendicular a las cuerdas para abarcar el mayor número de órdenes.
- Mano izquierda: El instrumentista debe lidiar con un mástil a veces muy ancho. El uso de la cejilla y los grandes estiramientos son unos problemas comunes que afectan la dificultad de las piezas.
- Lectura de Tablaturas: La música para laúd no se escribe en pentagrama convencional, sino en la tablatura (francesa, italiana o alemana), un sistema que indica la posición exacta de los dedos en los trastes y cuerdas.
Los grandes maestros y un repertorio imprescindible
El siglo XVI es considerado «el siglo del laúd».
En este periodo destacan figuras como Francesco da Milano, apodado «el divino», cuyas fantasías y ricercares son cumbres del contrapunto instrumental.
En Inglaterra, John Dowland elevó la canción con laúd a niveles de expresión melancólica insuperables, con obras como la Lachrimae.
En el periodo Barroco, Sylvius Leopold Weiss fue el laudista más prolífico y admirado, contemporáneo y amigo de Johann Sebastian Bach, quien también dedicó suites magistrales a este instrumento.
La música de Bach para laúd representa hoy uno de los mayores retos técnicos para cualquier instrumentista de cuerda pulsada, como bien sabréis, si asistís a nuestras clases de nuestra Escuela de Música.
Curiosidades y el laúd en el mundo moderno
Tras caer en el olvido después de 1800, desplazado por el piano y la guitarra, el laúd ha vivido un renacimiento espectacular desde mediados del siglo XX gracias al movimiento de la música antigua.
Intérpretes como Julian Bream, Hopkinson Smith o Paul O’Dette han devuelto al instrumento su lugar en la alta cultura musical.
Incluso en la música popular contemporánea, el laúd ha hecho apariciones notables.
Artistas como Sting, han dedicado álbumes enteros a la obra de John Dowland, acercando el sonido íntimo del laúd a las audiencias masivas.
Los problemas comunes y el mantenimiento
Como herramienta de trabajo, el laúd es extremadamente delicado.
Su construcción ligera lo hace muy sensible a los cambios de temperatura e humedad (higroscopicidad de la madera), lo que puede provocar grietas en la tapa o que las duelas se despeguen.
El mantenimiento básico incluye el cambio regular de trastes de tripa, el ajuste de las clavijas de madera (que funcionan por fricción) y la limpieza cuidadosa de la roseta.
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